Le David de Michel-Ange.

Quand tout fut fini, on ne peut nier que cette œuvre ait emporté la paume de toutes les autres statues, modernes ou anciennes, grecques ou latines; aucune autre œuvre d’art ne lui est égalitaire à aucun égard, avec une telle juste proportion, beauté et excellence Michelagnolo l’a achevé.

Mieux que quiconque, Giorgio Vasari introduit en quelques mots la merveille de l’un des plus grands chefs-d’œuvre de l’humanité. À la Galerie de l’Académie, on peut admirer de très loin la perfection de la plus célèbre statue de Florence et, peut-être, du monde entier: le David de Michel-Ange.

Cette étonnante sculpture de la Renaissance a été créée entre 1501 et 1504. Il s’agit d’une statue en marbre de 14,0 pieds représentant le héros biblique David, représenté comme un homme nu debout. Commandée à l’origine par l’Opéra del Duomo pour la cathédrale de Florence, elle devait faire partie d’une série de grandes statues à placer dans les niches des tribunes de la cathédrale, à environ 80 mètres du sol. Michel-Ange a été invité par les consuls du Conseil à compléter un projet inachevé commencé en 1464 par Agostino di Duccio et plus tard continué par Antonio Rossellino en 1475. Les deux sculpteurs avaient finalement rejeté un énorme bloc de marbre en raison de la présence de trop de « Taroli », ou imperfections, qui ont pu menacer la stabilité d’une statue aussi énorme. Ce bloc de marbre de dimensions exceptionnelles est donc resté négligé pendant 25 ans, se trouvant dans la cour de l’Opéra del Duomo (Conseil de Vestry).

Michel-Ange n’avait que 26 ans en 1501, mais il était déjà l’artiste le plus célèbre et le mieux payé de son temps. Il a accepté le défi avec enthousiasme de sculpter un David à grande échelle et a travaillé sans relâche pendant plus de deux ans pour créer l’un de ses chefs-d’œuvre à couper le souffle de marbre blanc brillant.

Le conseil de Vestry avait établi le sujet religieux de la statue, mais personne ne s’attendait à une telle interprétation révolutionnaire du héros biblique.

Le récit de la bataille entre David et Goliath est raconté dans le livre 1 Samuel. Saül et les Israélites font face aux Philistins près de la vallée d’Elah. Deux fois par jour pendant 40 jours, Goliath, le champion des Philistins, sort entre les lignes et défie les Israélites d’envoyer leur propre champion pour décider de l’issue du combat singulier. Seul David, un jeune berger, accepte le défi. Saul accepte à contrecœur et offre son armure, que David décline car il est trop grand, ne prenant que sa fronde et cinq pierres d’un ruisseau. David et Goliath s’affrontent ainsi, Goliath avec son armure et son bouclier, David armé seulement de son rocher, de sa fronde, de sa foi en Dieu et de son courage. David lance une pierre de sa fronde de toutes ses forces et frappe Goliath au centre de son front: Goliath tombe le visage contre terre, et David lui coupe la tête.

Traditionnellement, David avait été dépeint après sa victoire, triomphant du Goliath tué. Des artistes florentins comme Verrocchio, Ghiberti et Donatello ont représenté leur propre version de David debout sur la tête tranchée de Goliath. Michelangelo choisit, pour la première fois, de représenter David avant la bataille. David est tendu: Michel-Ange l’attrape au sommet de sa concentration. Il reste détendu, mais alerte, reposant sur une pose classique connue sous le nom de contrapposto. La figure se tient avec une jambe tenant tout son poids et l’autre jambe vers l’avant, faisant reposer les hanches et les épaules de la figure à des angles opposés, donnant une légère courbe en S à tout le torse.

La fronde qu’il porte sur son épaule est presque invisible, soulignant que la victoire de David était une de l’intelligence, pas de la force pure. Il transmet une confiance en soi et une concentration exceptionnelles, deux valeurs de «l’homme pensant», considéré comme une perfection à la Renaissance.

Il est connu des documents d’archives que Michel-Ange a travaillé à la statue dans le plus grand secret, cachant son chef-d’œuvre dans la composition jusqu’en janvier 1504. Depuis qu’il travaillait dans la cour ouverte, quand il pleuvait, il travaillait détrempé. Peut-être a-t-il tiré son inspiration de sa méthode de travail: on dit qu’il a créé un modèle en cire de son dessin et l’a plongé dans l’eau. Pendant qu’il travaillait, il laissait tomber le niveau de l’eau et, en utilisant des ciseaux différents, sculptait ce qu’il voyait émerger. Il dormait sporadiquement, et quand il dormait avec ses vêtements et même dans ses bottes, il mangeait rarement, comme le rapporte son biographe Ascanio Condivi.Après plus de deux ans de travail acharné, Michel-Ange décida de présenter son «Géant» aux membres du Conseil de Vestry et à Pier Soderini, alors gonfalonière de la République. En janvier de 1504, son David de 14 pieds de haut leur a été dévoilé seulement: ils étaient tous d’accord que c’était trop parfait pour être placé haut dans la cathédrale, ainsi il a été décidé de discuter d’un autre endroit dans la ville. Le conseil municipal a convoqué un comité d’une trentaine de membres, dont des artistes comme Léonard de Vinci, Sandro Botticelli et Giuliano da Sangallo, pour décider d’un site approprié pour David. Pendant le long débat, neuf endroits différents pour la statue ont été discutés, et finalement la statue a été placée dans le coeur politique de Florence, sur la Piazza della Signoria.

Il a fallu quatre jours et quarante hommes pour déplacer la statue du demi-mille de l’atelier de Michel-Ange derrière la cathédrale Santa Maria del Fiore jusqu’à la Piazza della Signoria. Luca Landucci, herboriste et diariste vivant à proximité, a écrit l’événement exceptionnel du transport dans ses chroniques:

« Il était minuit, le 14 mai, et le géant a été sorti de l’atelier. Ils ont même dû abattre l’arche, tellement il était énorme. Quarante hommes poussaient le grand chariot en bois où David se tenait protégé par des cordes, le faisant glisser à travers la ville sur des troncs. Le Géant arriva finalement à la place Signoria le 8 juin 1504, où il fut installé à côté de l’entrée du Palazzo Vecchio, en remplacement de la sculpture en bronze de Judith et Holopherne de Donatello « .

Michel-Ange a ensuite continué à travailler sur la finition plus fine. Cet été-là, le support d’écharpe et de tronc d’arbre était doré, et la figure reçut une guirlande de victoire dorée. Malheureusement, toutes les surfaces dorées ont été perdues en raison de la longue période d’exposition aux agents atmosphériques.

Grâce à sa perfection imposante, la figure biblique de David devint le symbole de la liberté et de la liberté des idéaux républicains, montrant la disposition de Florence à se défendre. Il est resté en face du Palazzo della Signoria jusqu’en 1873, date à laquelle il a été transféré dans la Galleria dell’Accademia pour le protéger des dommages et des intempéries.

De nos jours, les visiteurs peuvent admirer le David sous un puits de lumière qui a été conçu juste pour lui au 19ème siècle par Emilio de Fabris. De près, on peut percevoir la passion de Micheangelo pour l’anatomie humaine et sa profonde connaissance du corps masculin.

Notez les yeux vigilants avec des masses d’yeux sculptées, des veines pulsantes sur le dos des mains, engorgées de tension. Admirer la courbe du torse tendu, la flexion des muscles de la cuisse dans la jambe droite.

Les proportions de certains détails sont atypiques du travail de Michel-Ange. La figure a une tête inhabituellement grande et une main droite imposante. Ces agrandissements peuvent être dus au fait que la statue était initialement destinée à être placée sur la ligne de toit de la cathédrale, donc des parties importantes de la sculpture devaient nécessairement être accentuées pour être visible d’en bas.

Une autre interprétation de ces plus grands détails conduit les chercheurs à penser que Michel-Ange a volontairement surestimé la tête pour souligner la concentration et la main droite pour symboliser l’action réfléchie.

Une fois de plus, Giorgio Vasari a su synthétiser la perfection absolue de ce chef-d’œuvre de la Renaissance qui attire et ne déçoit toujours pas des millions de visiteurs chaque année à la Galleria dell’Accademia de Florence:

« Car en cela on peut voir les plus beaux contours de jambes, avec des attachements de membres et des contours élancés de flancs qui sont divins; on n’a jamais vu une pose si facile, ni aucune grâce à égaler celle de cet ouvrage, ou les pieds, les mains et la tête si bien en accord, d’un membre à l’autre, dans l’harmonie, le design et l’excellence de l’art. (Giorgio Vasari, de ses « Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes »).

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